《老爷债见》：破壁入戏,三看三境

复古陈设、精准灯光调度,檀香与旧木的气息与剧情融为一体,瞬间将观众拉回那个真假难辨的时空。由安徽省话剧院精心打造的皖派沉浸式悬疑剧《老爷债见》,以其全沉浸式的互动体验和浓郁的皖派本土风情,成为安徽演艺集团“小剧场实验”三驾马车中的重要一环,与安徽省黄梅戏剧院的黄梅音乐剧《她&她》、安徽省徽京剧院的戏曲实验剧《谁是麦克白》一同,探索着传统国有文艺院团面向年轻观众、拥抱时代潮流的转型之路。本周末在合肥包河凤凰剧院演出,今年国庆期间,该剧走出安徽,将在山西忻州保利大剧院演出6场。

形式破局：从“镜框”到“全浸”,墙倒之后入戏成真

《老爷债见》在形式上最为彻底的一次革命,是对传统观演关系的全盘重构。项目发起人、制剧人刘婷婷在接受采访时指出,剧组首先依托全沉浸式的演出形式,彻底打破了镜框式舞台的桎梏,让观众从一开始便置身于剧情发生的场景之中。分布在现场各个演出区域的观众,随时都有可能“进入”演出,成为剧情推进的一部分。这种设计使得“是观看一场演出,还是置身其中”的界限被彻底模糊。

在表演层面,演员彻底摒弃了传统话剧的舞台化表演方式,转而采用更贴近生活化、更具交流感的表演状态,以灵活应对观众的各种互动反应,避免因互动产生“出戏”问题。更重要的是,作为首部皖派主题的沉浸式互动悬疑轻喜剧,创作团队将安徽本土元素深度融入剧情和场景之中,让观众产生强烈的地域共鸣,进一步巩固了代入感,使互动始终围绕剧情推进展开,做到“可控且不影响整体演出效果”。

刘婷婷直言,创作和演出过程中最难的点,正在于“打破传统话剧的表演模式,让演员从镜框式舞台的表演方式,转变为适应全沉浸互动的表演状态”。然而,返场演出后收获的超高反馈,让团队感到意外——小红书等社交平台的热议、观众的积极评价和媒体的高度肯定,都验证了这种形式探索的市场价值。观众对皖派主题沉浸式小剧场作品的接受度与喜爱度,远超初期预期。

内容根基：皖派悬疑底色,人性伦理之问

在内容创作上,《老爷债见》并未满足于单纯的悬疑猎奇。该剧以民国时期的安徽为背景,讲述了发生在青石镇上一桩命案所引发的复杂伦理故事。剧名本身便是“老爷再见”的谐音梗,隐含着一种告别旧秩序、直面新现实的意味。值得一提的是,该剧故事结尾有意偏离传统悬疑设定的窠臼,转向类似于话剧《雷雨》式的人性深度挖掘,将聚焦点从“谁是凶手”的单一悬念,扩展至对人性欲望、家族伦理与时代宿命的深层叩问。

刘婷婷说,这部作品的创作根植于安徽省演艺集团倡导的“小而精、小而美”导向。它采用“剧组共创”的年轻化创作手法,打破了传统的导演中心制,让团队每个人都能提出想法、参与创作。与此同时,剧目以小成本、小运营、小团队为核心,摒弃了大戏“大制作、大场景”的思路,更注重内容的精巧性和与观众的互动性,从而让这部带有浓厚地域色彩的作品,能以轻盈的体态迅速落地,直面市场检验。

表现力重塑：演员即邻人,空间即叙事

在表现力层面,《老爷债见》强调“生活化交流式”的表演哲学。演员不再依赖于舞台高台之上的夸张形体,而是以精准的台词、细腻的肢体语言,让每个角色变得鲜活立体。由于观众身处表演核心区域,演员的一举一动都在触手可及的距离之内,微表情、低语、眼神流转都成为戏剧语言的重要载体。这种高度压缩的观演距离,迫使演员必须放下“演”的惯性,进入“活”的状态,以极强的信念感应对每一次不可预测的互动。

而皖派元素的融入进一步丰富了剧目的表现力。从场景中的陈设细节到人物对话中的方言俚语,从服装道具的时代考究到整体氛围的市井还原,《老爷债见》着力营造的不仅是一个悬疑故事,更是一座可感可触的“民国安徽”文化切片。这种本土化叙事,让省内外观众都能在沉浸观赏的同时,触摸到属于江淮大地特有的文化肌理。

一鸭三吃,一戏三看:从室内剧场到户外实景的跨越

《老爷债见》最为引人注目的战略构想,在于其“一鸭三吃,一戏三看”的多版本开发计划。刘婷婷透露,团队正在实践这一创新思路,将同一部核心剧目以三种不同形态呈现给观众,覆盖多元观演场景,充分挖掘作品的市场潜力。

第一看,是小剧场沉浸式驻场的“体验版”,即在HM·1953演艺新空间内演出的全沉浸互动版本。观众坐于场景之中,深度参与剧情推进,这是剧目最原初、互动感最强的形态,已完成六场演出并获得积极市场反馈。第二看,是走进肥东大剧院、包河凤凰剧院等传统大剧场的“剧场版”。此版本回归台上演、台下看的基本范式,适应大剧场镜框式舞台结构,面向更广泛的戏剧爱好者群体,用扎实的剧本和表演征服传统话剧观众。第三看,则是今年五一期间于合肥刘园·古徽州文化园推出的“行走版”,也称为“行进版”——这是安徽省话剧院在文旅融合领域迈出的关键一步。反响强烈,一票难求。

刘婷婷将这一实景行进版形容为“游园探案、深度沉浸”。剧目走出封闭剧场,落地皖派古建筑实景之中,观众不再是静坐观看,而是跟随剧情在古徽州文化园中游走穿行,于亭台楼阁、回廊院落之间一步步揭开命案真相。《老爷债见》团队经过审慎考量,认为这部剧同样具备实景演出的结构和文化价值,经重新打磨改良后,向景区迈进,让戏剧在更广阔、更真实的物理空间中释放叙事张力。

“从‘看戏’到‘入戏’,从被动欣赏到主动参与”,刘婷婷这样概括《老爷债见》的精神内核。而“一戏三看”的多版本布局,则让这种精神在不同的空间语汇中获得了分化表达的能力:在密室般的小剧场里,它是压迫感与私密感交织的悬疑迷宫;在恢弘的大剧院舞台上,它是情节精良、表演扎实的伦理悲剧;在古徽州园林的月色与灯火中,它又是一场现实与戏剧界限消融的“游园惊梦”。三种形态,三种观演关系,三种空间美学,却统一于同一颗跳动的心脏——那个属于皖派、属于民国、属于人性永恒叩问的戏剧内核。

《老爷债见》以悬疑为表、人性为里,以沉浸为形、皖派为魂,不仅填补了合肥本土沉浸式互动小剧场作品的市场空白,更通过“一鸭三吃”的开拓性布局,为安徽文艺院团在文旅融合时代探索出一条极具参考价值的创新路径。当经典艺术遇见年轻语态,当专业叙事拥抱多元空间,这部作品的探索之路,还在不断向更远的地方延伸。

《谁是麦克白》：跨界破墙,鼓点惊心

安徽省徽京剧院排演的戏曲实验剧《谁是麦克白》,以一场彻底颠覆传统的演出,为古老徽剧注入全新的生命力。作为安徽演艺集团“小剧场实验”的重要作品之一,该剧将莎翁笔下的苏格兰将军麦克白与中国宋代帝王赵光义并置于同一时空,用欲望串联起一场关于权力与人性的寓言。它打破了镜框式舞台的局限,让观众置身剧中的同时,也开启了中国传统戏曲“在地国际化”的全新探索。

形式突围：当第四堵墙轰然倒塌

《谁是麦克白》在形式上最为震撼之处,在于它对观演关系的彻底重构。演出一开始,武生的把式和空翻便不是简单的炫技,而是带着“有选择的程式化美感”扑面而来。急促与缓慢交替的鼓点、突然休止的留白,取代了传统戏曲中“咿咿呀呀”的长段唱腔,将观众的注意力完全集中在演员眉眼流转、手眼身法步的细节之上。

更为大胆的是,演出现场连“第四堵墙”的影子都不复存在。背景中的司鼓突然与台上的小太监对话,甚至夺过长枪互换角色;台下留学生被邀请上台,局促地跟着小太监学习请安,刚落座又被拉回去“接着奏乐接着舞”。整个剧场变成一个流动的、不可预测的表演场域。这种高度灵活的交互设计,让观众不再是旁观者,而是剧情推进的一部分。

梅花奖获得者、省徽京剧院艺术总监汪育殊表示,这种近距离的沉浸式体验,就是为了“先把观众留在戏曲舞台周围”。在他看来,很多年轻人对戏曲敬而远之,是因为觉得“节奏太慢”“唱词高深”,而实验剧恰恰用短平快的方式消除了这种隔阂,让观众从熟悉到喜欢,再慢慢深入。

内容融合：穿越时空的人性对话

从内容上看,《谁是麦克白》选择了莎翁最具心理深度的悲剧之一,与中国历史上同样因权力而背负沉重道德拷问的赵光义形成镜像。两个不同文明、不同时代的人物在舞台上相遇,牵连他们的,是一个名为“欲望”的隐形声音。尽管赵光义的故事线对部分外国观众而言略显晦涩,但他们在演出后依然能够精准提炼出“Desire”(欲望)这一核心主题。

该剧没有试图面面俱到地复述两个故事,而是有选择地截取最具戏剧张力的片段,通过徽剧特有的唱、念、表、翻等综合手段,集中呈现人性的挣扎。这种去繁就简的叙事策略,既保留了原作的深度,又降低了跨文化理解的门槛。值得一提的是,剧组日前还专门举办了在肥留学生专场演出及体验交流活动,旨在贯彻落实《戏剧振兴三年行动计划(2026-2028年)》,探索中国戏剧“在地国际化”的新路径,培育知华友华的青年文化使者。

表现力浓缩：徽剧身段作为国际语言

在表现力层面,《谁是麦克白》做了一次“减法中的加法”:它减少了繁复的唱段,却将戏曲的肢体语言和程式美感推到前台。武生的大开大合、丑角的灵活穿梭、小太监的一招一式,都成为无需翻译的“国际语言”。现场来自牙买加、巴基斯坦等国的留学生虽然中文尚不流利,却能脱口而出“best”“handsome”“funny”等简单词汇,精准地捕捉到了表演的精彩之处。主演周赟坦言,观众的热情反馈反过来又激发了演员的兴奋感,形成了良性的观演互动。

汪育殊回忆起2014年带《惊魂记》赴英国爱丁堡参加莎士比亚戏剧节的经历:法国导演和克罗地亚编剧在看完演出后激动地到后台交流,感叹话剧只是“说”、歌剧只是“唱”、舞剧只是“舞”,而中国徽剧竟能将唱念做打融为一体,呈现出如此丰富的艺术层次。《谁是麦克白》正是延续了这一核心认知,以轻盈、互动、浓缩的样态,让传统徽剧成为一座通往现代观众和世界舞台的桥梁。

《谁是麦克白》以无畏的跨界勇气和精准的市场定位,让拥有数百年历史的徽剧在21世纪的小剧场里焕发出青春的“潮”气,也为中国传统戏剧如何“留下来”又“走出去”,提供了一份生动的参考答案。

《她和她》：黄梅新韵,镜中花开

在合肥老城区环城公园旁,安徽省黄梅戏剧院的“HM·1953演艺新空间”以一种颠覆传统的姿态焕新亮相。作为这一新演艺业态的开幕之作,沉浸式国风音乐剧《她&她》在此落地生根。这部由知名导演顾湘萍执导、国家一级演员魏瑜遥担任执行导演并主演的作品,以双女主的深情叙事和一流的沉浸式表达,为传统黄梅戏的当代转化提供了一个极具参考价值的范本。它不仅是安徽省黄梅戏剧院迈向市场化、年轻化的重要一步,更是一次关于剧场想象力的大胆唤醒。

形式革新：打破“第四堵墙”的沉浸式美学

从形式上看,《她&她》最显著的特征在于对传统观演关系的重构。作品彻底打破了传统戏曲“镜框式”的舞台局限,将严凤英剧场B厅改造为一个360度环绕式的沉浸空间。在这里,观众不再是置身事外的旁观者,而是成为戏剧空间的一部分。皇宫的威仪、大狱的压抑、花园的旖旎被巧妙地融合于同一场景中,观众几乎可以“贴身”感受到演员的一颦一笑、衣袖拂动间的气息。

这种沉浸式设计对演员提出了极高的要求。导演顾湘萍在谈及创作历程时坦言,这对于习惯在镜框式舞台上通过程式化动作表演的黄梅戏演员而言,是“非常非常非常非常大的挑战”。演员不仅要在不到一米的距离内面对观众的审视,还要应对台下观众细微举动带来的“蝴蝶效应”。主演魏瑜遥将这种表演状态的核心归结为“信念感”——唯有全情投入,才能在近乎赤裸的近距离表演中,将角色的内心世界传递给观众,实现真正的共情。这种形式上的创新,让观众得以“听见明月公主的呼吸震颤”,也让剧场的美学张力被无限放大。

内容探索：重塑经典的女性视角叙事

在内容创作上,《她&她》脱胎于黄梅戏经典剧目《女驸马》,但并未止步于简单的复刻。它保留了“女扮男装”、“阴错阳差中状元”的核心戏剧冲突,却将叙事焦点从传统的爱情线转向了对女性内心世界的深度挖掘。故事讲述了饱读诗书却困于闺中的唐少君与向往自由的明月公主,因一纸赐婚而相遇、相知。在谎言与真相的纠葛中,两位女性在彼此身上找到了挣脱封建桎梏的力量。

导演顾湘萍强调,这部剧拒绝给出一个固定的答案,而是以“开放式结局”让观众自行解读。她援引“100个演员有100个哈姆雷特”的理念,认为每一位演员的诠释都带有独立的心理动机。这种留白艺术,使得《她&她》跳出了传统才子佳人的叙事窠臼,转而探讨“先谋生、后谋爱”的当代女性成长议题。正如该剧所传递的核心精神,它不仅是在讲述一个古代故事,更是在投射一种“不被定义、我命由我不由天”的现代女性态度。

表现力融合:国风气质与音乐剧语汇的碰撞

作为一部“新国风”音乐剧,《她&她》在音乐与表演语汇上找到了独特的融合之道。音乐总监谭浩指出,将黄梅戏与音乐剧结合是“全国的课题”,而《她&她》的解法是“以中国的载体为主,以它的核心为主,然后用了不同的表现形式”。

创作初期,剧组曾尝试完全剥离戏曲程式,但观众反馈“倒逼”出了更具韵味的“黄梅歌”形式——将黄梅戏的经典唱腔与当代流行音乐语汇结合。这意味着演员必须调整沿用多年的发声习惯,将黄梅戏中靠后的咬字共鸣调整为更贴近音乐剧的表达方式,寻找一种“国风味道”而非纯粹戏曲味道的音乐剧质感。

对于主演魏瑜遥等黄梅戏演员而言,这是一次“自废武功”式的重塑。他们必须放下程式化的习惯性动作,将手眼身法步转化为更贴近现实生活、更具当下感的肢体语言。这种破而后立的尝试,不仅拓宽了黄梅戏演员的表演渠道,更让传统戏曲演员身上独有的“气质”成为了这台国风音乐剧最迷人的底色。